尤莉亚·斯坦纳
growing

2025年8月2日 – 8月30日
麦勒画廊阿尔德茨

开幕：
星期六，2025年8月2日，16:00 – 19:00

来自Julia Steiner和 Margherita Martini非正式对谈，苏黎世，2025

MM：这场展览的氛围与环境浑然一体。它让我觉得，此次展览“growing”并非只是举办地在阿尔德茨，而是与阿尔德茨息息相关。周围的景观、村庄的韵律、展览空间的亲密感，所有这些都在你的作品中得到了呼应。恩格丁（Engadine）与你之间的联系如何影响了这次展览？

JS：与恩格丁的初相识是在我童年的假期。后来，我回到恩格丁，在Nairs基金会（Fundaziun Nairs）进行驻地创作，去年我在奥地利阿尔卑斯山的SilvrettAtelier工作室进行了驻地创作，就在恩格丁山谷背后。我在那里待了两个星期，创作了一系列与阿尔卑斯山风光相关的绘画。本次展览中最大的一幅绘画《Wogen (weite Fragen)》是其中的一幅，并成为了展览的核心之作。我并非试图捕捉某个特定的视角，我对文字的描绘并不感兴趣。真正让我着迷的是事物之间的空间：山凝为浪，浪复为山。《Wogen (weite Fragen)》就蕴含着这种张力：静与动，实与虚。它更多地关乎山作为一种感觉，而非山的形态，是一种瞬息万变的东西。

MM：这种身体与情感之间的流动性贯穿了整个展览。这次展览并非一次回顾展，但它汇集了来自不同年份和媒介的作品。你怎么挑选这次展览作品的？

JS：在空间自身独特性的启发下，自然而然跟着感觉确定的。除了《Wogen (weite Fragen) 》之外，我立刻想到了《belonging (loop)》，这是一根由缩绒羊毛制成的绳子，源自我今年早些时候为在Seleger Moor Park举办的展览“MoorArt”创作的一件作品。在那次展览中，一根长达300米的绳子在六个月内被制作出来，水平延伸横跨公园，又在自然和风雨中暴露了六个月。在这里，绳子以一个封闭的循环形态回归，出现在旧马厩的墙上，唤起了某种乡村的、缓慢的、重复的感觉，以及一条在黑白之间变换的界限。那些碎片也拥有某种静谧的力量。它们适中的尺度与空间的居家韵律相得益彰，并且像《belonging (loop) 》一样，它们对姿态和轨迹保持着一种专注。而“daily turn”系列中的陶瓷作品，在这个语境下也显得恰如其分，因为它们的美学中蕴含着熟悉感和居家感。这些作品是我在疫情期间创作的，那段时间我大多待在工作室里。我开始制作成对的碗，上釉后再将它们在窑炉中熔接在一起。它们之中有一种宁静的趣味性，同时也唤起了重复和日常的仪式感。当它们被置于案头，便悄然融入日常，成为被生活浸润之物。这件作品由七件单品组成，暗示着一种周循环的节奏，在明暗、昼夜、开合之间摇摆、嬉戏。

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MM：在你的作品中，我常能感受到一种时间性之间的张力。有些作品，比如早期的“fragments”系列带着原始的紧迫感；而另一些，比如《cosmos (blossom) 》或陶瓷作品，则显得缓慢、沉稳，仿佛它们已经找到了内在的平衡。这种对比鲜明的节奏似乎呼应了自然的内在逻辑，总是在喷发与休止、生长与蛰伏之间转换。你对于黑与白的运用，感觉更多地是概念性的，而非仅仅为了美观。这几乎像是一种敬畏的姿势，一种刻意不去与自然色彩的复杂性相竞争的姿态。这种不同节奏与动态之间的平衡，是你刻意设计的吗？黑与白为你带来了什么，尤其是在与风景相关的创作中，是其他颜色所无法给予的吗？

JS：这种能量和时间性的平衡确实存在，但这并非我刻意为之。而是在创作过程中自然形成的。在自然中，尤其是在山区，我体验到了不同时间感知之间的张力。既有一种浩瀚感，同时又有强烈的即时感，意识到自身的脆弱。这种对比深深吸引着我：万物皆在流动，而你只是身临其境，存在于当下，深知下一刻或许就已经带来转变和蜕变。这种二元性影响了我的创作。绘画往往是对内心波动的回应，它们来得很快，出于本能。而雕塑作品则展开得更为缓慢，需要时间来沉淀。使用黑白创作让我得以停留在感知的空间里，它让我不必去选择或解释。色彩总是带有联想，但我并非旨在描绘自然。这比自然更抽象。对我而言，黑白留下了更多解读的空间。话说回来，色彩确实在近期的作品中回归了，但也只在我所追寻的某种联系“要求”它出现时。比如在《untitled (rose) 》中，红色并非与花朵相关联，而是指向了身体。它根植于“器官”这一概念——某种内在的、本能的、与生长相关的东西。

MM：山里的寂静几乎感觉是喧嚣的。凝视《Wogen (weite Fragen)》的时候，我感受到一种浓厚的宁静，一种充满张力的静谧。这让我想到了浪漫主义中的“崇高”，那是一种强烈的、近乎无法抗拒的审美体验，与自然现象相关联，其中恐惧与愉悦并存。从这个角度来看，你的“fragment”系列作品乍一看似乎与之形成对比。它们小巧而内敛。但随后我想起了德国浪漫主义者，如施莱格尔（Schlegel）和诺瓦利斯（Novalis），他们赞美碎片既是一种艺术形态，也是一种哲学思想。特别是施莱格尔，他认为碎片并非作为单一的整体，而是众多对立观点交织而成的混沌普遍性。从这个意义上说，你的“fragment”系列作品与“崇高”有着深刻的联系，只不过不是在规模上，而是在范围上。它们很宏大，而非微缩的。

JS：这正是我想要传达的。我描绘一个片段时，它从来不只是关于那个单独的碎片，而是关乎所有周遭的其他片段、视角，或者可能存在的不同时刻。每一个片段都是一个通往更广阔世界的入口。“Fenster”系列作品也秉承了同样的理念：一扇窗框住了一部分景象，却使之变得强大，因为它激发了超越边界的想象力。“cosmos (blossom) ”系列作品也遵循着类似的逻辑。在这些作品中，我将工作室里的花朵嵌入到玻璃铸造的过程中。花朵会瞬间燃烧殆尽，留下灰烬和气泡。我把这些花朵看作是一种“本源”（Ursprung），因为它们在燃烧的过程中转变成了别的东西。这就像是在凝视一个全新的宇宙，一片浩瀚的天空被如此微小的事物所包裹。一个宁静的宇宙在短暂的瞬间里得以生长，或凝聚。

尤莉亚·斯坦纳（Julia Steiner），1982年出生于瑞士伯尔尼州的比伦佐姆霍夫（Büren zum Hof），目前居住和工作于瑞士巴塞尔。曾于伯尔尼艺术大学学习，并在柏林艺术大学学习了一个学期。2018年至2019年在布伦瑞克艺术学院担任客座教授。她在瑞士及海外策划并参与了诸多个展和群展，其中包括威廉港艺术馆（Kunsthalle Wilhelmshaven）、凯撒斯劳滕巴伐利亚州立美术馆（Museum Pfalzgalerie Kaiserslautern）、马尔塔·赫福德博物馆（Marta Herford Museum）、深圳何香凝美术馆、麦勒画廊（Galerie Urs Meile）以及比尔帕斯夸尔中心（Centre Pasquart Biel）等机构。她曾创作许多特定场地作品以及艺术与建筑项目，例如在瑞士Jura地区的贝勒莱(Bellelay)修道院教堂和巴塞尔职业学校（Basel Berufsfachschule）。尤莉亚·斯坦纳获得过诸多奖项，包括瑞士艺术奖（Swiss Art Award）、Manor艺术奖和Strabag艺术奖，并参加了在瑞士、北京、伦敦和马略卡岛等地举办的多个艺术家驻留项目。她的作品被许多瑞士私人藏家及机构收藏，其中包括凯撒斯劳滕巴伐利亚州立美术馆、马尔塔·赫福德博物馆、伯尔尼艺术博物馆、图恩艺术博物馆、比尔帕斯夸尔中心、Jenisch Vevey博物馆/ Lélo Fiaux基金会、苏黎世联邦理工学院版画收藏馆、伯尔尼州文化局、巴塞尔乡村州艺术信贷基金、霍夫维尔文理中学、瑞士国家银行、瑞士信贷银行、Julius Bär银行、瑞士保险集团、卢森堡保险公司、瑞士Helvetia保险公司、瑞士邮政、Strabag艺术收藏、Manor艺术收藏、罗氏制药公司等，以及诸多国际私人收藏。