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马里昂·巴鲁克漫长的生命轨迹映射着二十世纪诸多冲突的交织缠绕：法西斯主义、资本主义、共产主义、女权主义、反战主义、移民问题、社会阶层冲突、国家冲突、宗教冲突、语言冲突、政治意识形态冲突。马里昂对其内心世界以及外在空间予以洞察。围绕着虚空这一主题，通过视图和透视，艺术家探讨如何进行省略式表达。她所表达的“虚空”并非心灵的虚无，而是一方自由的天地，从字面含义上也可以理解为对观者发出邀请。马里昂·巴鲁克最近的创作呈现形态强而有力，极简主义的审美甚至掩盖了其所探讨主题的复杂性。艺术家将纺织品行业的剩余物作为“拾来之物”，再一次对我们充满劳作和资源消耗的世界予以探讨。瑞士卢森美术馆日前正在举办巴鲁克的首个个人回顾展"innenausseninnen"（至2020年6月21日），展览随后还将在多地进行巡回展出，包括MAGASIN des horizons，格勒诺布尔，Museo MA*GA,加拉拉特， Muzeul de Artă，蒂米什瓦拉，以及Les Abattoirs，图卢兹。
（艺术家肖像：Noah Stolz）

米尔科·巴泽吉亚对我们所处世界的动态及结构进行观察，并以他个人引人入胜的方式对其进行重新定义，来表现人类及其活动与自然界根本的相互依存关系。 艺术家的许多作品灵感直接来源于自然结构，但米尔科运用让人意想不到的媒介将其重塑，并赋予作品全新的美学价值。 在他所有的创作之中，感官体验以及对材料细致入微的研究都起着核心的作用，同时对人们感知周遭空间与环境产生了切实的影响。 为此，艺术家喜欢运用丰富的媒介（例如雕塑，装置，影像和绘画）并致力于探寻它们的潜能，通过与工匠及其他专业人士合作所获取的特定知识与技巧，米尔科得以将自己的创意，甚至是那些最为苛刻和古怪的想法付诸实现。哲学和对存在的反思与工艺和科学知识的结合诞生出富有诗意且令人回味无穷的作品。 无形与有形，真实与虚幻，以及材料转化过程的联系是艺术家创作中反复出现的主题。

米歇尔·孔德，瑞士艺术家、摄影师和环保主义者，曾经是艺术品修复师，后自学摄影，并成为极具影响力的当代摄影师。除了商业创作，他还深入阿富汗、波斯尼亚、柬埔寨、伊拉克以及苏丹的战争地带进行纪实摄影。他最近的创作包括极具感染而且强有力的系列作品《光》，该系列作品通过雕塑、装置和摄影探讨环境变化带来的影响。大学时期，孔德就开始探究气候变化及其影响。大约十年前，他放缓了商业摄影的步调，开始艺术性地转向气候变化这一主题。孔德的艺术创作通过清晰的宣言、响亮的行动以及令人印象深刻的审美，试图唤醒人们对于气候变化所带来的灾难性影响的警觉。2017年，他先后在罗马国立当代艺术馆以及米兰三年展举办了两个重要的个展，展览名分别为“Light and Black Light”以及“White Light”。米歇尔·孔德回忆道，“1914年，我的祖父（瑞士飞行先驱）阿尔弗雷德·孔德首次穿越阿尔卑斯山，并带回来很多非常震撼的照片，照片中的冰川闪闪发亮。阿尔卑斯山脉被茫茫的白色所覆盖。时隔一个世纪，我也攀爬过很多高山，并意识到我们的冰川以及全球的冰盖正在快速消融。”

鞠婷的艺术实践很难被简单归类为抽象绘画，尽管她将再现性的内容明显地排除在自己的工作序列以外。在她持续创作的两个系列《无题》和《珍珠》系列作品中，艺术家把一层又一层的丙烯酸颜料涂抹在一块木板上，当颜料基于二维空间积累到一定厚度时。 她则用手或使用使用工具来作用于堆叠的颜色层上。 最后，经过切割，覆盖，剥离或撕裂的画面呈现可塑性，似乎形式从图像内部有机生成发。鞠婷将展出的是上述两个系列的最新作品。

托比亚斯·卡斯帕的艺术实践并不是基于怀疑与分离论，而是聚焦于对艺术本体的故事性与结构的深耕。卡斯帕着迷于价值创造与品味生成的机制，象征性附加价值与欲望生产的方式与时机也是其创作的兴趣所在。此外，他在作品中也充分表现了对潮流与时尚在其场域内外的文化转换过程的兴趣，并将其在国际视野中加以考量。所谓“时尚”的机制，在于以诱惑力使其眩晕，以期实现成为他者的夙愿，同时对于时尚对其身份认同的体现与模仿的可能性的探讨也是他艺术实践的核心架构之一。 如同时尚一样，他的创作逻辑游走于市场与难以捉摸的非理性之间。近年来，托比亚斯·卡斯帕不仅以研究美学经济的贸易途径被人所熟知，同时他还创立了个人专属的商品 – 杂志， 牛仔品牌，以及现在的毛绒玩具。同时，他也运用建筑拓扑的方式来对艺术行业中揭露劳动现状的机构批判的审美做出修正。
（艺术家肖像：Nik Ash）

多年以来，艺术家邱世华通过绘画中的白色风景来探究绘画中的可视性的主题。细微的风景在虚薄的表层中若隐若现。邱世华笃信道家思想，他将道家的修行与绘画合二为一，孜孜不倦地投入在刻画各色风景的细微差别中。在反反复复的描画下，存在与缺席、充盈与虚空、描绘与省略此起彼伏。艺术家在描绘风景的同时又在不断地予以消抹。观赏和感知相互影响。我们能把它和中国传统山水画相关联。欣赏山水画需要的也是类似的方式，对绘画主题进行满与空的掂量。麦勒画廊将在今年分别于画廊瑞士和北京的空间举办邱世华个展。

多年来，在所有工作周期中，安纳托里·舒拉勒夫的艺术方法始终保持其观念性。 油漆，有机玻璃（无论是球体，立方体还是不规则的物体），空间，墙壁，有时还包括金属，它们都是他作为摄影中间对象的媒介。 在这种情况下，艺术家的特征是进行系列创作。 其作品探讨的中心仍然是人们的感知力。

高嫣（Rebekka Steiger）于2018年在麦勒画廊北京举办了首个个展览“猫头鹰－virages nocturnes”。展览展出了这位新锐艺术家在参加麦勒画廊北京“艺术家驻地项目”期间创作的最新绘画和纸上作品。艺术家延续了其一贯的创作风格，在异国他乡的逗留也使其心理和创作状态更为开放、自由。通过层层叠叠的色彩渲染，高嫣将其对情感和氛围的感知以微妙而有趣的方式转化成具有浓厚神秘感的画面，从而达到出其不意的效果。具象与抽象的冲突和博弈、鲜亮色彩的层叠渲染、毫无叙事逻辑可循的画面，这一切不仅让绘画创作本身天马行空，也让观者感觉妙趣横生的同时又有所不安。艺术家将于2020年3月22日至5月24日于瑞士Kunsthaus Grenchen举办个展 “ Boxing The Compass”。

尤莉亚·斯坦纳的作品没有清晰和具象的图形，却与观者的感官进行着直接的互动。她在作品中所建立的视觉参照与符号仅仅呈现的是其内在直觉的逻辑。有别于对事物进行直接的描绘，艺术家着重对体验的打造。因此，观者必须在不借助熟悉语境的情况下浏览图像，从而持续迫使自我对其自身位置进行定义。这种脆弱的平衡渗透在尤莉亚·斯坦纳创作的点滴之中。她创造了一种图像与观者的紧密关系，让观者一同参与到对于作品不确定性的探讨中。身体对空间的感知是探索其艺术作品的途径。斯坦纳的纸本巨作直接聚焦于对身体感知的探讨，让观者意识并将其带入其视觉与运动之中。此外，她的装置作品围绕着对空间感知的主题，将时间的维度加之于个体与空间的关系之中。德国凯撒劳滕普法尔茨美术馆将于2020年2月8日至7月19日举办艺术家的个展“Am Saum des Raumes”。
（艺术家肖像：Lorenz Raich）

谢南星是一位具有革命性和实验性的绘画艺术家，他一直以来都在挑战着传统和艺术教育中看起来坚不可摧的法则。他对心理学有着浓厚的兴趣，在他的艺术实践中，我们可以看到谢南星以近乎心理学家的方式与视角，对潜藏在事物表面之下的实质与真理的反复探究与诘问。在今年的香港巴塞尔艺术博览会中，我们将带来谢南星“画布印刷”系列中的一件作品。“画布印刷”是谢南星近几年一直探索的独特技法。在最终作为作品呈现的画布之上——以此件作品为例，即浅棕色、黑色之上，艺术家铺上另一层画布，在最上层的画布上，艺术家进行具象绘画的创作，油彩透过上层画布的肌理空隙渗透到底色上，然而上层画布并不会呈现出来，最终作为作品呈现的只有底层画布，上面附着着艺术家绘画过程中的痕迹与证据，并成为了最终作品的重要组成部分。麦勒画廊北京空间将于今年11月举办艺术家的个人展览，我们将展出艺术家最新创作的绘画作品。

杨牧石将自己投入到严格的日常作业中。他努力地对雕塑材料进行锐化，锯切和削磨，最后用黑漆覆盖它们，从而将它们还原成具有暴力美学的形态。 杨牧石一贯的艺术实践是从选择工业原材料开始的，并全部以黑色喷漆覆盖，作品的命名只在于描述施与原材料之上的动作。 结合杨的“黑暗作品”，他最近的“照明系列”将霓虹灯作为他工作的主题。 光线可见，但无形。 它在散发灼痛的同时散发出热能，几乎与他的“黑暗”系列相同。 在黑暗和光明的世界中，这两个系列不仅在形态方面，而且在意识形态的立足点上相互补充。

张雪瑞抽象绘画的公式，似可于一眼之间阅尽，乍看之下，即是使用有序网格，并于每个单元内填充逐渐变化的色彩。在这些明显的视觉元素（颜色和网格）之外，埋存着艺术家对空间概念的内在理解。时间的维度在张雪瑞的画作中也起着至关重要的作用，色彩的微妙渐变必须在非常集中的时间内完成。尽管她的绘画公式很清晰，但是却很难将其作品归类于西方抽象绘画、色域绘画或单色绘画，所有这些绘画流派都仅局限于颜色构成，让颜色自己得以呈现。对于张雪瑞而言，颜色是画布上“空间”表现的关键。她对颜色的追求更多停留在隐喻层面上，目的是在画布上生动地呈现“空间”。2019年6月，张雪瑞在麦勒画廊瑞士卢森空间举办了个展“作为本体的日常”，并将于2020年夏末在画廊北京空间举办个展。