托比亚斯·卡斯帕
Atelier

Ramona Diem：在“Atelier”中，托比亚斯·卡斯帕将其焦点转向他的纺织摄影——转向那些在时尚、艺术和日常生活之间摇摆的织物、表面和姿态。您如何看待托比亚斯的摄影方法？

Samuel Haitz：有时我用"性感"形容艺术时，人们会发笑。但对于托比亚斯，我常有这种反应："性感。"这与情色关系甚少，但与许多其他形式的迷恋有关——物质性、表面、对艺术的真正渴望，或许还有幽默，它本身也能以某种方式吸引人。托比亚斯玩弄着这些多种形式的吸引力。有时他的作品给我的感觉就像一则好广告——我可能不想购买展示的产品（我真的不需要另一件毛衣……），但我认同其品牌及其背后的态度。托比亚斯的摄影作品在构图和美学上是强有力的图像，同时能打开超越字面表面的参照体系。但我认为，仅仅说托比亚斯"对时尚感兴趣"，是不够的。更有趣的是思考他如何通过采用时尚界的某些策略——例如它如何借鉴艺术史——并将这些策略带回艺术实践，从而照亮时尚界的某些机制。回答你的问题：摄影是进行这种借用自时尚和广告的策略与语言游戏的合理媒介。托比亚斯基于相机的作品常常涉及一种探究——在此次展览中，被审视的是纺织品，但也是穿着它们的身体，审视其物质性。

RD：让我们更详细地谈谈展览中的个别作品。有各种服装的照片，也有鞋盒的照片。盒子作为产品的包装，正如纺织品最终包裹着身体。

SH：我仍然清楚地记得我第一次拿到自己的新iPhone的时刻。我和父亲从苹果商店开车回家，在车里拆开了它。盒盖的设计让你在抬起时感到轻微的阻力。

然后iPhone严丝合缝地躺在里面：可以看到一个闪亮的黑色表面。这种包装是精心策划的；它是用户体验、市场营销的重要组成部分。开箱视频在社交媒体上是一个独立的视频类别。奢侈品时尚也以类似的方式运作：当我花几百法郎购买一件衣服时，我购买的不仅仅是一个身份象征或（希望是）好的设计，还是一种"体验"。突然间，鞋盒拥有了与鞋子同样的光环——即使我到家就立即把它扔掉。
托比亚斯同样感兴趣的奢侈品线上店铺，以有趣的方式削弱了这一原则。我从高价区订购，但配送感觉像是Zalando的包裹。将服装比作身体的包装有些陈词滥调，但如果你将苹果的包装原则应用到身体上，你会发现时尚可以类似地突出穿着者的特质。

RD：展览中还有对法国艺术家亨利·马蒂斯的两个引用。首先，非常具体地，在系列作品《Love in Capitalism》（2025）中，一组八个画框，每个至少由两张照片和一张印在卡纸上的文本片段组成。这种图像与文本的结合是托比亚斯作品中反复出现的策略。凭借如《Lumpy Blue Sweater》（2010）和《Bodies in the Backdrop》（2013）等系列，托比亚斯在创作生涯早期就获得了来自机构的认可。复制的马蒂斯的画作被裁剪，只留下纺织品、墙纸和装饰可见。在这些旁边，托比亚斯放置了一个中国商业广告的截图，其中有一位看起来中性的人。

SH：这些图像-文本组合——让人联想到路易斯·劳勒等人——可能是托比亚斯最初真正引起我兴趣的作品。在上述早期作品中，图像与文本的关系仍然清晰可辨；后来它们变得更加游戏化和抽象，有时近乎无意义。
我们再更具体地说说这些新作品：对时尚运作方式的迷恋总是与对普适性的兴趣相伴相随。当我最近几个月买了一个拉布布时，我也在迎合一种潮流。但潮流会过时——恰恰因为它们自身的成功。真正的艺术在于在归属感和个性之间取得平衡。没有人想显得只是随波逐流。我们如何看待马蒂斯在这方面很有启发性。《Les Nus bleus》已经变成了商品——挂在"不感兴趣"的人们厨房里的海报。我们这些"内行"对此嗤之以鼻——不是因为我们认为作品不好，而是因为它们被商业吸收得太彻底了。托比亚斯在这里使用的马蒂斯作品属于另一个范畴——良好品味的范畴。通过裁剪复制品，托比亚斯挪用了这些画作，但也重新引导了我们的目光。他对表面、物质性、或许还有绘画笔触的兴趣得到了强调。托比亚斯与这些作品配对的这个中国商业广告是在上海一位收藏家的客舍拍摄的，他去年在一次展览布展期间曾住在那里。当托比亚斯将马蒂斯图像转化为静物时，截图则强调了人物与场景的互动对场景的活跃。然而最终，在他的作品中，两种布尔乔亚室内空间都显得同样疏远。印在卡纸上的标题中是谁在说话并不明确——似乎既不是托比亚斯，也不是马蒂斯，也不是截图中的那个人。文本片段与图像相互接触摩擦但从未完全契合。作为观众，面对这些作品我们可能会感到有些迷失——这似乎是托比亚斯一再想要激起的感觉。

RD：展览题目为“Atelier”，托比亚斯在展览前期提到了来自纽约MoMA收藏的《L’Atelier Rouge》。马蒂斯将他的工作室画成了红色。画作在空间中悬挂和放置；这是一种图像中的展览。托比亚斯与工作室的理念有何关联？

SH：托比亚斯喜欢《L’Atelier Rouge》是有道理的。这幅画展示了一种构图，几乎是偶然间通过日常工作室实践积累起来的。马蒂斯在其中复制的一些画作具有雕塑感；一些堆叠着；一些或许未完成。这让我想起托比亚斯的展览，其中作品并非简单地以通常的权威方式挂在墙上，而常常呈现出物体般的特质。工作室作为生产场所的问题在今天可能不那么有趣。我父亲过去曾为一家大银行监督外包/离岸项目——例如将IT工作岗位从瑞士转移到印度。这样思考艺术生产或许不够浪漫，但在全球化的世界中，询问某些专业知识可以在哪里找到，以及代价如何，似乎具有相关性。
托比亚斯在他的作品中使这种全球化生产成为主题，例如最近创作的《Lumpy Purple Can》（2025年），在瑞士构思，在中国制造，它——通过印在其上的文字——以第一人称描述自己，并讲述了它从亚洲到瑞士的旅程。或是为上海展览而系列生产的雪景球《Bartleby (My Dreams And Nightmares)》（2024年），同样在中国制造。这种对工业生产的有趣参与与艺术品形成了鲜明的对比——后者创作过程中产生的工作室劳动——几乎被夸大：绘画、素描、拼贴，每一步都手工完成。工作室不一定是固定的场所，即使存在这样一个场所。托比亚斯也在家里、女儿入睡后，或在酒店里进行创作。

RD：展览的核心作品是《Anti-Conformist Conformist Chandelier (After Evian, Mountain View)》（2025年），一个由七十个依云矿泉水玻璃瓶制成的枝形吊灯。

SH：当托比亚斯第一次告诉我用空玻璃瓶制作吊灯的想法时，我举起了双手。在我看来，枝形吊灯——尤其是它们的当代重新诠释——相当乏味。但如果我们回顾迄今为止讨论的一切，这件作品就变得非常有趣。市场营销和归属感的机制几乎在瓶装水销售中一览无遗——近乎变态。当然，某一种水可能品味起来比另一种稍好，但最终购买决定取决于品牌。沛绿雅，我在布鲁塞尔喝了很多，带有一丝享乐主义的愉悦感，尽管它几乎没有什么是真正奢华的。"谁从糟糕的生活中受益？"我一边想，一边将杯子续到半满，用水吞下哌甲酯和布洛芬。相比之下，依云的品牌身份不仅关注排他性，还关注健康和福祉。依云的标语（"活出年轻"）似乎承诺，仅仅是山泉水就能治愈我的多巴胺缺乏、头痛、瑕疵肌肤以及导致这些问题的压力。

RD：最后，我想讨论让托比亚斯玩弄艺术复制品和日常物品的手法显得特别生动的一个方面：冰箱贴。

SH：为“Atelier”，托比亚斯制作的冰箱贴复制了展览中作品以及他实践中其他经典作品。他当然是在指涉博物馆商店出售的类似产品，那些通常描绘非当代艺术品。人们可以将其斥为一种自我历史化的形式，但我更多地从商品化的传统中看待它——托比亚斯不断探索其与艺术家原版的相似性，例如通过他的牛仔裤品牌或哈勒昆泰迪熊。我已经提到过好品味和坏品味的理念——将艺术品复制到磁贴上几乎肯定是后者。托比亚斯有趣的地方在于，他知道这一点，但还是做了磁贴，并且以某种方式让我也想贴一个在我的冰箱上。